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Da venerdì 13 novembre 2026 è disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming digitale “Sporchi di vita” (TRP Vibes / Track Records Productions) il nuovo singolo di Valentina Indelicato.

“Sporchi di vita” è un brano che racconta la fragilità, la complicità e il coraggio di restare bambini anche quando il mondo sembra diventare troppo grande e complicato. È la storia di due anime che scelgono di reinventare la realtà attraverso la fantasia, trasformando le paure in giochi e la quotidianità in un’avventura da vivere insieme. Perché non bisogna essere sempre forti, né avere tutte le risposte. A volte basta sapere di non essere soli, trovare qualcuno con cui attraversare il buio, affrontare le proprie paure e continuare a sognare.

Spiega l’artista a proposito del brano: «Credo che ci sia qualcosa di profondamente bello nel continuare a guardare il mondo con gli occhi di chi sa ancora inventarsi un cielo, dare un nome buono ai mostri e trasformare una caduta in un nuovo gioco. Questo brano nasce proprio dal desiderio di custodire quella parte di noi che non ha paura di immaginare, che sa trovare meraviglia anche nelle cose più semplici e che riesce a trasformare le proprie fragilità in attimi di autenticità e di forza. Perché diventare grandi non dovrebbe significare smettere di essere bambini, ma imparare a proteggere quella parte di noi che continua a sognare, anche quando tutto intorno sembra portarci lontano da quella magia. Forse è proprio lì che si nasconde il coraggio più grande.»

 

Disponibile ascolto del brano al seguente link: https://found.ee/9hjCP6

 

Il videoclip di “Sporchi di vita”, diretto da Gianluca Scalia, è concepito come un viaggio visivo ed emozionale tra realtà e fantasia, in cui semplici elementi quotidiani, come un foglio bianco e un disegno, diventano simboli di libertà e riscoperta di sé. Il linguaggio visivo, essenziale e luminoso, alterna momenti di delicata intimità a sequenze dinamiche e giocose, richiamando la spontaneità dell’infanzia attraverso uno sguardo contemporaneo. Il video crea così un dialogo tra musica e immagini, mettendo in risalto l’autenticità, l’espressività e la presenza scenica di Valentina Indelicato.

 

Guarda il videoclip su YouTube

https://www.youtube.com/watch?v=yCx2RXrEUc0

 

 

 

VALENTINA INDELICATO | BIOGRAFIA

Valentina Indelicato, classe 2000, è una cantautrice e una musicista siciliana. Si avvicina fin da piccola al mondo delle arti, coltivando parallelamente la passione per la musica, la danza, il teatro e la scrittura.

Inizia il suo percorso musicale studiando pianoforte, per poi dedicarsi al violino e al canto, discipline che negli anni diventano il centro della sua formazione e della sua attività artistica. Il suo percorso musicale nasce così dall’incontro tra formazione classica e la ricerca di una propria identità espressiva nel pop e nella canzone d’autore.

Attualmente frequenta il Conservatorio, dove frequenta due corsi di laurea triennale, rispettivamente in Violino e in Canto Jazz, dopo aver frequentato, parallelamente, il corso propedeutico di Canto Lirico. È inoltre laureata con il massimo della valutazione e lode in “Lingue per la comunicazione internazionale” e ha conseguito un master in “Leadership per le relazioni internazionali e il Made in Italy”. Nel 2024, presso la Camera dei deputati, ha ricevuto il Premio America Giovani per il talento universitario, prestigioso riconoscimento nazionale conferito ai neolaureati di eccellenza delle università italiane.

Nel corso della sua attività musicale ha ottenuto numerosi riconoscimenti nazionali e internazionali. In ambito classico, conquista primi premi in prestigiose occasioni, tra cui il Concorso Rassegna Nazionale di Musica “TuttArte”, il Concorso Nazionale di Musica della Riviera Ionico-Etnea e il Concorso Musicale Internazionale “Lucio Stefano D’Agata”.

Negli ultimi anni si dedica con particolare attenzione al canto e alla scrittura, ottenendo importanti riconoscimenti in ambito pop e cantautorale. È stata finalista al “ProSceniUm 2025” e, nel 2026, ha vinto: il “Reggio Primo Maggio Contest”, aggiudicandosi anche il Premio Web e l’opportunità di condividere il palco con nomi affermati del panorama musicale italiano, il Festival della Canzone d’Autore “Premio Pino Scarpettini” di Livorno, il Festival Bacco, dove ha ricevuto anche il Premio Stampa “4Quarti Magazine”, il Concorso nazionale della canzone d’autore “Premio Bruno Bottiroli”. Nello stesso anno ha ottenuto il Premio “Miglior testo e composizione” al Contursi Festival.

Con uno stile che intreccia influenze classiche, pop, jazz e cantautorali, e una particolare attenzione alla scrittura e all’interpretazione, è attualmente impegnata in un progetto discografico che la vede protagonista come cantautrice con l’etichetta “TRP Vibes”. I suoi singoli sono disponibili sulle principali piattaforme digitali.

 

“Sporchi di vita” è il nuovo singolo di Valentina Indelicato disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica da venerdì 13 novembre.

 

 

SPOTIFY https://open.spotify.com/intl-it/artist/09sBu0KoPZrOJBg0jJKBeH?si=qO-OetUgSf6YhBT1yaep1Q

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TANESCO

“Bile”

UN BRANO CHE DÀ VOCE AL DISAGIO INTERIORE E AL CONFLITTO TRA IDENTITÀ E ASPETTATIVE SOCIALI

ASCOLTA “BILE”!

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“Bile” è il primo singolo in italiano di Tanesco. Già pubblicato nel 2015 con i Dhammatalk, il brano torna oggi in una nuova veste sonora, con una produzione più piena e contemporanea che fonde l’impatto del rock e del grunge anni ’90.

Chitarre acustiche ed elettriche si intrecciano in un sound graffiante e incisivo, arricchito da cori e arrangiamenti articolati, dando vita a un equilibrio tra tensione, aggressività e profondità sonora.

Ma “Bile” è soprattutto un’esplorazione del disagio interiore, di quegli stati d’animo inconsci e inesplorati che spesso vengono soffocati dalla razionalità imposta dalla quotidianità. Una razionalità necessaria per muoversi e sopravvivere all’interno di un contesto sociale che ci spinge ad aderire a schemi e modelli prestabiliti, non sempre in sintonia con ciò che siamo realmente.

Il brano nasce proprio da questo disallineamento: la distanza tra ciò che si è, ciò che si sente e ciò che il mondo circostante si aspetta da noi. Una frattura interiore che Tanesco sceglie di portare in superficie, trasformandola in musica e dando voce a tutto ciò che, troppo spesso, resta inespresso.

Tanesco nasce a Bassano del Grappa, in provincia di Vicenza, e cresce in una famiglia in cui la musica è una presenza costante.

La prima esperienza significativa arriva con i Madrugha, gruppo gravitante nell’ambiente ska-raggae bassanese, e nel 2011 fonda i Clerks, progetto con cui si confronta per la prima volta con il ruolo di cantante e autore, scrivendo i propri brani in lingua inglese. Un’esperienza che lo conduce progressivamente verso la scrittura in italiano, destinata a diventare una componente fondamentale della sua identità musicale. Dall’evoluzione dei Clerks nascono i Dhammatalks, con cui prendono forma canzoni come “Bile”, “Lato B” e “La Città”.

Dopo un periodo di pausa, arriva il lockdown del 2020. Lontano dai palchi, Tanesco trasforma quel momento in un’occasione per dedicarsi alla scrittura e alla registrazione domestica, realizzando diversi brani in acustico, tra cui “Ai margini del mondo”, “Lascia il segno” e “Rugiada”.

Nel 2025 torna a suonare con i Runar, ma nel 2026 decide di dare una nuova direzione al proprio percorso, sviluppando un progetto solista che porta il suo nome: Tanesco.

Il progetto prende forma recuperando brani scritti e registrati negli anni precedenti, tra cui nuove versioni di “Bile” e “Lato B”, affiancate dall’inedito “Spazio per me”.

La musica di Tanesco affonda le proprie radici nel rock americano degli anni Novanta e nel grunge di Seattle, senza limitarsi a riproporne le coordinate sonore. Le chitarre elettriche, elemento centrale del suo linguaggio, si intrecciano con una ricerca articolata sui cori e con testi in italiano dal carattere introspettivo. Nel suo immaginario convivono riferimenti eterogenei: il linguaggio chitarristico di Jimi Hendrix, le sonorità aperte e abrasive degli Afterhours, le stratificazioni vocali dei Queens of the Stone Age e la sensibilità melodica degli Scisma.

Ne emerge un rock viscerale e personale, che guarda alle proprie radici senza indulgere nella nostalgia. Una ricerca musicale e compositiva che mette al centro l’esigenza di dare forma e voce a ciò che spesso rimane inesplorato e difficile da esprimere.

Nella Sala dei Notari la consegna dei riconoscimenti nel segno della letteratura civile, dell’impegno sociale e della memoria di Clara Sereni. L’edizione 2026 ha celebrato anche gli 80 anni del diritto di voto alle donne in Italia e gli 80 anni dalla nascita della scrittrice.

Perugia – Si è svolta nel pomeriggio di sabato 7 novembre, nella suggestiva cornice della Sala dei Notari, la cerimonia di premiazione della settima edizione del Premio Letterario Nazionale Clara Sereni, appuntamento di rilievo nazionale dedicato alla promozione e alla valorizzazione della letteratura contemporanea di contenuto civile, sociale e femminile sostenuto da Fondazione Perugia e dal Centro per le Pari Opportunità della Regione Umbria, con il coordinamento di Francesca Silvestri e Silvia Calamandrei.

Condotto dalla presidente della Giuria Specialistica Benedetta Tobagi insieme allo scrittore Paolo Di Paolo, l’evento ha visto la partecipazione di molte autorità istituzionali, oltre alla Giuria Specialistica e a tutti gli scrittori finalisti e premiati. La serata si è aperta con una bella introduzione musicale a cura di due giovani allievi del Conservatorio F. Morlacchi di Perugia (Anna Taucci e Daniele Del Gobbo) e il saluto istituzionale della sindaca di Perugia Vittoria Ferdinandi a cui è seguita la premiazione.

Per la Sezione Romanzo edito, il primo premio della Giuria Specialistica è stato assegnato a Lucio Di Cicco per La bottega del pane (L’Orma editore), il secondo posto è andato a Perfrancesco De Robertis con Un amore socialista (Neri Pozza) e il terzo a Laura Pariani con Primamà (La Nave di Teseo).

Per la Sezione Romanzo inedito, il primo premio della Giuria Specialistica è andato a Eleonora Rugolo con 111C Guida P.S.I.chiatrica. Seconda classificata Giada Cassini con Stellaerrante, terzo classificato Giampiero Attanasio con La seconda vita.

La Giuria Specialistica ha inoltre attribuito una Menzione Speciale della Giuria Inediti a Giancarlo Ferrari, per il romanzo Il vestito blu, riconoscendo l’impegno sul tema della fragilità e il valore sociale dell’opera, già selezionata nella decina finalista.

Particolarmente importante il riconoscimento assegnato a Silvia Vecchini, scrittrice, poeta e operatrice culturale, vincitrice del Premio Andersen 2026, alla quale è andata la Menzione Speciale «Amici del Premio Clara Sereni», attribuita ogni anno a personalità del mondo culturale e civile distintesi per il proprio impegno a favore delle donne, delle giovani generazioni o degli ultimi della società.

Tra gli elementi distintivi del Premio si conferma la Giuria Popolare, istituita nel 2021 per coinvolgere direttamente studenti universitari, scuole e biblioteche nella lettura e nella valutazione delle opere finaliste.  Novità di quest’anno, poi, l’Albo dei Giurati, ma anche e soprattutto i licei e l’Unipg, con i CFU e uno speciale Premio di Laurea a titolo onorifico su temi femminili istituito proprio in questa edizione. Un progetto di partecipazione culturale che ha registrato 135 voti, 33 dei quali provenienti da un unico liceo, e ha coinvolto 24 biblioteche pubbliche. Numerose le delegazioni presenti alla cerimonia: Corciano, Città della Pieve, Castiglione del Lago, Paciano, Terni, Tuoro e Perugia, comprese le biblioteche universitarie.

La Menzione Speciale Giuria Popolare Under 20 è stata assegnata al Liceo Statale A. Pieralli di Perugia. La Menzione Speciale Ottantesimo dal Diritto di voto alle donne in Italia, attribuita ogni anno su proposta dell’Associazione promotrice del Premio – Officina delle Scritture e dei Linguaggi – in accordo con la Giuria Specialistica, nella VII edizione, per una felice coincidenza si è allineata con il voto dei Giurati Popolari ed è stata consegnata a Valentina Santini per Latte guasto (Voland).

Ai vincitori del Premio, che nel 2020 ha ricevuto la Medaglia del Presidente della Repubblica come «Manifestazione di elevato valore culturale e sociale», sono stati consegnati omaggi in libri e voucher turistici per visitare l’Umbria nell’intento di promuovere il territorio dove Clara Sereni aveva scelto di vivere gli ultimi anni della sua vita.

A sottolineare il significato di questa settima edizione è Francesca Silvestri, coordinatrice del Premio, che ha evidenziato la partecipazione crescente, il lavoro di squadra e il rafforzamento delle collaborazioni istituzionali e culturali:

«L’edizione 2026, la settima dalla sua istituzione, che ha celebrato i due importanti ricorrenze (quello del voto alle donne in Italia e gli ottant’anni di Clara), è stata particolarmente intensa e ricca di eventi correlati al Premio durante tutto l’anno. Dal Salone del Libro di Torino, dove abbiamo presentato i finalisti della VII edizione e il vincitore degli inediti del 2025, al Campidoglio di Roma, dove abbiamo celebrato un ricordo solenne di Clara Sereni, fino a questa splendida cerimonia, condotta tra l’altro dalla nostra Presidente Benedetta Tobagi accanto a Paolo Di Paolo. È stato come sempre un bellissimo lavoro di squadra – e per questo ringrazio profondamente l’Associazione Officina delle Scritture e dei Linguaggi promotrice della manifestazione – per un Premio tematico che valorizza una letteratura “differente” e ci regala una crescente partecipazione di pubblico e scrittori accanto a un’importante attenzione istituzionale e mediatica. A partire da domani saremo al lavoro per costruire l’VIII edizione, ma soprattutto per la pubblicazione e promozione del romanzo vincitore della Sezione inediti che vedrà la luce in primavera per i tipi di ali&no editrice».

Informazioni: www.premioletterarioclarasereni.org

TinkerToyz “Girls Are Ready For Fun” DIVERTIMENTO E SEDUZIONE Con “Girls Are Ready For Fun”, i TinkerToyz raccontano una notte in cui la voglia di divertirsi prende il sopravvento su qualsiasi programma. Tra tacchi alti, rossetti, profumi e sguardi che non lasciano scampo, la festa diventa il terreno di un gioco di seduzione in cui le posizioni si ribaltano e chi crede di condurre la partita finisce facilmente per diventarne la preda. Il testo ammicca a questa ambiguità delle ragazze che si divertono ad ammaliare: “Snake-bite eyes, I’m her prey on sight”, portando il narratore a una decisione che non ammette ripensamenti: “Later! I can’t leave the party now”. Andarsene può aspettare: la notte ha ancora molto da offrire. Sul piano musicale, il singolo recupera il linguaggio e l’estetica dell’hard rock e del glam metal anni ’80. Riff affilati, sezione ritmica serrata e melodie vocali catchy e incisive costruiscono un brano energico e senza giri di parole, ideale per l’eccesso e il divertimento. “Girls Are Ready For Fun” è la colonna sonora di una notte che nessuno sembra disposto a interrompere. Nati a Milano nel 2022, i TinkerToyz sono una band hard rock e glam metal composta da Alexander Räw alla voce, Revy Nayle alla chitarra, Dave Melrose al basso e Michael Waste alla batteria. La loro proposta riprende l’attitudine dell’hard rock legato alla Sunset Strip californiana, filtrandola attraverso un suono compatto e attuale, fatto di chitarre ruvide, ritmiche incisive e una forte attenzione alla resa dal vivo. È proprio sul palco che la band trova una delle sue dimensioni più riconoscibili, con concerti costruiti su un ritmo serrato e sul rapporto diretto con il pubblico. Un’attitudine che ha permesso ai TinkerToyz di consolidare rapidamente la propria presenza nella scena live: nel 2025 hanno raggiunto la finale Nord Italia di Sanremo Rock, mentre nel 2026 hanno aperto i concerti dei Rezophonic e della storica formazione americana Spread Eagle. Nello stesso anno si sono inoltre aggiudicati il contest Salieri in Rock di Legnago, ottenendo il riconoscimento come miglior band. Il percorso discografico prende avvio nel 2025 con l’EP “Do You Wanna Play With The Toyz?”, anticipato dai singoli “I’m On My Way To Rock” e “Rich Fat And Chad”.

ASCOLTA “GIRLS ARE READY FOR FUN”! https://distrokid.com/hyperfollow/tinkertoyz/girls-are-ready-for-fun

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BLACKCOW

“E ti diranno” RISCOPRIRE IL PENSIERO CRITICO

Ascolta il singolo

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I BLACKCOW tornano con “E ti diranno”, un nuovo singolo che mette al centro il pensiero critico e la libertà di scelta, in un momento storico in cui informazioni, opinioni e narrazioni arrivano da ogni direzione e diventa sempre più importante imparare a metterle in discussione. Il brano nasce come un invito a non accettare passivamente ciò che ci viene raccontato, ma a interrogarsi, approfondire e verificare le fonti prima di costruire le proprie convinzioni. Un messaggio che assume un significato ancora più forte in un presente segnato dalla velocità con cui circolano le informazioni e dal peso che media e social network possono avere sulla percezione della realtà. “E ti diranno” parla quindi della possibilità di scegliere e ragionare con la propria testa, senza lasciare che luoghi comuni, dogmi o condizionamenti sociali, familiari, politici e religiosi determinino automaticamente il nostro modo di vedere il mondo. Al centro resta l’individuo, con la propria unicità e il diritto di costruire consapevolmente le proprie scelte. Anche musicalmente i BLACKCOW scelgono una strada poco convenzionale. La band definisce il sound del singolo un “funky stilizzato”, un mix che parte da una ritmica funk e incorpora elementi di rock melodico e fraseggi di derivazione jazz. I riff di pianoforte dialogano con le chitarre, mentre nel ritornello spicca il caratteristico giro armonico di chitarre in levare, che contribuisce a dare al pezzo un’identità immediatamente riconoscibile. Con “E ti diranno”, i BLACKCOW uniscono così contaminazione musicale e riflessione, trasformando il brano in un invito semplice ma necessario: ascoltare ciò che ci viene detto, senza rinunciare mai a farsi delle domande.

I BLACKCOW nascono nel maggio 2025 in provincia di Padova dall’incontro di musicisti con una solida esperienza alle spalle. Il progetto prende vita da un’idea del batterista Andrea Bolpato, che riunisce alcuni vecchi compagni di viaggio: il bassista Luigi Gazzola e il cantante Luca Bortolato. Alla formazione si aggiunge Il Dottore, figura enigmatica e chitarrista dal carattere fuori dagli schemi, mentre nel marzo 2026 l’ingresso del tastierista Davide Scattolin, musicista attivo nel panorama musicale attuale, completa la line-up. Il sound dei BLACKCOW si muove tra rock italiano e alternative, con un approccio diretto ed energico e una forte influenza delle sonorità degli anni Novanta. Le radici musicali dei componenti affondano proprio in quel periodo, attraverso diverse esperienze live maturate negli anni, tra progetti di musica originale, cover dei grandi classici degli anni Settanta e reinterpretazioni di band italiane e internazionali. Un background eterogeneo che oggi confluisce nel progetto BLACKCOW, dove esperienze e influenze differenti trovano spazio in un’identità musicale personale e in continua evoluzione.

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E.A.R.S.
“Flying High”

IMPARARE A GUARDARE OLTRE, ANCHE QUANDO È TEMPO DI DIRSI ADDIO

Ci sono momenti in cui l’unico modo per comprendere davvero ciò che accade è allontanarsi dal proprio punto di vista e imparare a guardare le cose da una prospettiva diversa. È da questa riflessione che nasce “Flying High”, il nuovo brano degli E.A.R.S., che affronta il tema della separazione e dei cambiamenti che attraversano le relazioni umane, trasformando un momento di difficoltà in un’occasione di consapevolezza e ripartenza.
Il pezzo racconta la difficoltà di accettare che due percorsi di vita possano prendere direzioni differenti, soprattutto quando la fine di un rapporto arriva inaspettata e lascia dietro di sé domande e incomprensioni. Ma, al di là delle ragioni e delle responsabilità individuali, esiste la possibilità di superare il proprio egocentrismo e riconoscere una realtà più ampia, nella quale ogni esperienza acquista un significato diverso.
Volare alto, in questo senso, significa riuscire a osservare ciò che è stato senza rimanerne prigionieri, fare tesoro del passato e lasciare spazio al nuovo, senza escludere la possibilità di una riconciliazione, pur nella consapevolezza di un addio.

Anche l’immaginario visivo del brano contribuisce a svilupparne il significato. La copertina ritrae un paesaggio oceanico sospeso tra desolazione e movimento, dove le onde del mare si confondono con la spuma delle nuvole spinte dal vento. In questo scenario instabile emerge la figura di un albatros, richiamato anche nel testo della seconda strofa: simbolo di un ego solitario che, anziché lasciarsi sopraffare dagli eventi, osserva ciò che lo circonda e cerca la propria direzione seguendo la luce del sole.
All’orizzonte, parzialmente nascosto dal bagliore, compare un vascello: una presenza simbolica che rappresenta una possibile rotta da seguire, una via da ritrovare nel mezzo delle trasformazioni.

Gli E.A.R.S. (Eddyin’ Around Roamin’ Sounds) sono una rock band della provincia di Varese attiva nella formazione attuale dal 2022. Il gruppo sviluppa un linguaggio definito Alchemical Rock, fusione di folk, celtic, oriental, flamenco, blues, punk, grunge e metal in una cornice hardrock. La band predilige l’inglese per la sua musicalità e universalità espressiva. Il progetto discografico segue un percorso simbolico basato sui colori, sulla mitologia e sugli elementi alchemici.
Ogni membro della band incarna un elemento alchemico (Acqua, Terra, Fuoco, Aria) e un animale mitologico corrispondente (Kraken, Drago, Fenice, Leone), strutturando un immaginario simbolico che attraversa musica e testi. I membri: Rich (chitarra – Acqua/Kraken), Tony (basso – Fuoco/Fenice), Mark (batteria – Terra/Drago) e Niel (voce – Aria/Leone). Rich porta un’impronta ’60-’70, Tony un background tecnico-strumentale, Mark un’anima hardrock-progressive e Niel un’esperienza vocale che spazia dal jazz al gospel al musical.
Insieme costruiscono un immaginario sonoro e narrativo che mira a unire energia rock, simbologia e introspezione.

ASCOLTA “FLYING HIGH”!

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ASCOLTA “SOLO ME STESSO”!

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In un mondo in cui ogni pensiero sembra dover circolare, essere riconoscibili non significa necessariamente essere compresi. Da questa distanza tra ciò che mostriamo e ciò che siamo nasce “Solo me stesso”, il nuovo singolo dei Flussi Inversi: una riflessione sull’identità, sui compromessi e sulla difficoltà di trovare la propria voce dentro il rumore del presente.

“Vorrei trovare il mio posto senza mai accettare un compromesso”: il desiderio espresso nel testo non è quello di isolarsi, ma di non dover rinunciare a una parte di sé per essere accettati. La dimensione personale si confronta così con un mondo definito “virale”, dove la velocità della comunicazione non garantisce la profondità dell’ascolto.

Musicalmente, il brano sviluppa questa tensione attraverso un impianto New Prog dinamico, costruito come un flusso di coscienza. Le sonorità eteree che aprono e chiudono il pezzo delimitano una struttura circolare, mentre la parte centrale concentra pensieri e contraddizioni in una progressione che rinuncia alla consueta alternanza tra strofa e ritornello. La forma segue il movimento della mente, con le sue accelerazioni e i suoi ritorni.

Ma il punto d’arrivo non è la difesa ostinata dell’io. “Ed ora che ho spento quella parte di orgoglio che sento” introduce un passaggio decisivo: abbassare le proprie difese non significa tradire la propria identità, ma rendere possibile un incontro. È qui che la fragilità smette di essere un limite e diventa disponibilità verso l’altro.

“Solo me stesso” tiene insieme due esigenze che spesso sembrano inconciliabili: restare fedeli a ciò che si è e riuscire a raggiungere chi ci sta intorno. Perché parlare a milioni di persone ha senso soltanto se, nel tentativo di farsi ascoltare, non si perde la propria voce.

I Flussi Inversi sono un progetto musicale nato dall’incontro tra il compositore e pianista Orazio Saracino, il producer e sound engineer Alex Grasso e il cantante e paroliere Flavio Paternesi, entrato nella formazione nel 2022.

La loro musica unisce ricerca sonora, tecnica strumentale e una forte componente narrativa.

L’esordio discografico, “Terra e Anima”, intreccia progressive rock, jazz, elettronica, musica per film e influenze gypsy, con la partecipazione di musicisti ospiti di rilievo.

Con il secondo album, “Noi”, composto da undici tracce, la band sviluppa una direzione più compatta e contemporanea.

Il trio definisce il proprio linguaggio come New Prog, una rilettura moderna del progressive rock italiano, distante dalle sonorità vintage degli anni Settanta.

Strutture fluide e accessibili convivono con ritmi articolati, passaggi strumentali complessi e il superamento dei tradizionali schemi della canzone.

La scelta di scrivere in italiano è centrale nella ricerca espressiva del gruppo.

Al centro di “Noi” c’è l’essere umano, raccontato attraverso fragilità, paure e desiderio di riscatto in una società precaria.

Grazie a influenze trasversali e a una cura meticolosa della produzione, i Flussi Inversi costruiscono un’identità musicale in cui sperimentazione e intensità emotiva procedono insieme.

Sabato 14 novembre alle ore 18.30 la pianista catanese Guendalina Consoli si esibirà in un recital pianistico dedicato al suo progetto discografico “Gocce di Romanticismo”, pubblicato da TRP Music, nella suggestiva cornice della Chiesa dell’Itria di Termini Imerese (PA).

 

Il concerto rientra nel cartellone della 51ª Stagione Concertistica 2026, organizzata dall’associazione Amici della Musica “Giuseppe Mulè”, fondata da Rosario Quattrocchi, con il patrocinio dell’Assessorato Regionale Turismo, Sport e Spettacolo della Regione Siciliana e Città di Termini Imerese.

 

«”Siamo l’Arte che amiamo”: sono fermamente convinta di ciò così come sono certa di amare la creatura artistica ‘”Gocce di Romanticismo’” ed il programma che porta lo stesso titolo del progetto discografico. Un programma che propongo per la prima volta a Termini Imerese per l’associazione musicale “Amici della Musica Giuseppe Mule’” fondata da Rosario Quattrocchi ed il cui direttore artistico è Salvatore Scinaldi.

Per citare Madre Teresa di Calcutta “Quello che facciamo è solo una goccia nell’oceano ma se non lo facessimo l’oceano avrebbe una goccia in meno” ed io come ognuno di noi sono una goccia che è lieta di esibirsi in questa circostanza per trasmettere le emozioni, le sensazioni che solo la Musica è in grado di donare alle nostre Anime, al nostro Spirito così da sentirci più vicini ed esprimerci senza alcun filtro e con assoluta umiltà e sincerità», commenta Guendalina Consoli.

 

“Gocce di Romanticismo” pubblicato da TRP MUSIC è un progetto discografico che la pianista siciliana ha focalizzato seguendo una scelta emozionale di miniature musicali del periodo romantico. L’itinerario artistico selezionato comprende brani in “piccola forma” di Liszt, Chopin, Abelardo, Glinka, Massenet, Debussy e Fanny Mendelssohn: gocce in grado di concentrare in poco tempo la vasta concezione poetica e musicale dello specifico artista, dando la possibilità all’interprete e all’ascoltatore di “viaggiare” senza mai rimanere vincolato ad un unico “luogo”, concedendosi e concedendo libertà.

“Come scriveva Marcel Proust – afferma Guendalina Consoli – ‘L’unico vero viaggio sarebbe non andare verso nuovi paesaggi, ma avere altri occhi, vedere l’universo con gli occhi di un altro, di cento altri, vedere i cento universi che ciascuno vede, che ciascuno è.’ Mi sono dunque ispirata concettualmente a questo principio di “non località” per esprimere in sintesi un’idea astratta di tragitto musicale che potesse richiamare le emozioni più brevi ed intense vissute dai compositori nella creazione di queste piccole grandi opere e per comunicarle alla nostra anima percettiva in maniera istintiva e sentimentale, senza alcun cenno di interpretazione razionale. Per questo, ogni compositore è per me una goccia, ovvero una piccola entità funzionale che contribuisce, attraverso la propria personalità artistica e tramite la composizione prescelta, a formare un grande progetto d’insieme.”

All’interno dell’album, già disponibile sulle piattaforme digitali e nei negozi musicali, sono presenti i generi romantici più popolari, dal Notturno, “esplorato” in tutte le sue declinazioni – malinconia, amore, bellezza, drammaticità… – all’Intermezzo, dall’Arabesque alle forme di danza del Valzer e del Tango. Un mélange di poliedriche sonorità che riflettono sensualità e misticismo, redenzione e peccato, passione ed abbandono per un disco che riflette grinta, sentimento, determinazione.

La copertina dell’album, inserita nella serie “Copertina d’Autore”, è stata realizzata nel 2006 dall’artista Francesco Rinzivillo (www.francescorinzivillo.com): l’opera, un Olio su cartoncino di cm 16×16, si intitola “Confine”.

Tracklist di “Gocce di Romanticismo”:

1 Nocturne in G Minor, H. 337 Fanny Mendelssohn

2 Nocturne in B-Flat Minor, Op. 9, No. 1 Frédéric Chopin

3 Nocturne in E-Flat Major, Op. 9, No. 2 Frédéric Chopin

4 Nocturne in F Minor “La Séparation” Mikhail Glinka

5 First Nocturne in C-Sharp Minor Nicanor Abelardo

6 Consolations, S. 172: III. Lento Placido in D-flat Major Franz Liszt

7 Intermezzo in A Major, Op. 118, No. 2 Johannes Brahms

8 “Méditation” from Thaïs (arr. for piano solo) Jules Massenet

9 Suite Bergamasque, L. 75: III. Clair de Lune Claude Debussy

10 Rêverie, L. 68 Claude Debussy

11 Deux Arabesques, L. 66: Arabesque No. 1 Claude Debussy

12 España, Op. 165: II. Tango Isaac Albéniz

13 Waltzes, Op. 64: II. Tempo Giusto Frédéric Chopin

TRP MUSIC

Direzione artistica e Produzione esecutiva: Riccardo Samperi

Direzione editoriale e product manager: Alberto Fidone

GUENDALINA CONSOLI | BIOGRAFIA

Pianista, ha conseguito la laurea di primo livello presso il Conservatorio di musica “G.Martini” di Bologna, sotto la guida di Agata Catania. Si è perfezionata in seguito con insigni maestri fra i quali Boris Petrushansky, Andrej Jasinski (Accademia Internazionale Mozarteum di Salisburgo), Joaquim Achucarro (Accademia Chigiana di Siena), Aquiles Delle Vigne (Festival internazionale pianistico di Spoleto e Mozarteum di Salisburgo), Paul Badura- Skoda (Associazione Amici della musica di Firenze), Francois-Joel Thiollier (Scuola Superiore Internazionale di Musica da Camera del Trio di Trieste), Alexander Lonquich (Campus Internazionale di Musica di Sermoneta), Alexey Orlovetsky (Ferenc Liszt Society in Polonia),Bruno Canino,  Sergio Perticaroli ed Aldo Ciccolini. Ha conseguito il diploma di alto perfezionamento pianistico presso l’Accademia Internazionale Superiore di Musica “Lorenzo Perosi” di Biella sotto la guida di Annamaria Cigoli.  Vincitrice di numerosi concorsi nazionali ed internazionali si esibisce frequentemente in recital, riscuotendo sempre grandi consensi di pubblico e di critica, in Italia ed all’estero. Ha suonato in Polonia presso la Chopin Manor-House a Duszniki Zdroy, al Music and Literature Club di Wrozclaw, il Castle di Brzeg, in Austria presso la Marmor Saal, la Wiener Saal ed il Karl Orff Institute, in Svizzera (Lugano), in Croazia, in Slovenia, in Germania a Kitzingen Am Main (Festival Seiler, per una serata dedicata ai vincitori del Premio Internazionale “Seiler”). Ed ancora ospite di numerose associazioni musicali in varie città italiane fra le quali Milano, Bologna, Trieste, Torino, Pistoia, Como, Lecce, Fregene. Si è esibita da solista con l’Orchestra Sinfonica d’Ivrea, nel Concerto KV238 di Mozart. Ha inciso la Sonata n°3 in fa maggiore (Hob XVI/23) di F.J.Haydn ed ha partecipato alle celebrazioni del 150° della morte di F.Chopin per la Società Nazionale “Dante Alighieri” di Catania e per l’Università degli studi di Catania. Ha conseguito la laurea abilitante per l’insegnamento del pianoforte presso l’Istituto Superiore di Musica “Claudio Monteverdi” di Cremona e la laurea di secondo livello in Discipline Musicali presso l’Istituto Musicale “V.Bellini” (CT) con 110 e lode. Attualmente insegna pianoforte presso l’I. C. Campanella-Sturzo di Catania. Nel 2023 ha inciso il cd “Gocce di Romanticismo” pubblicato dalla TRP Music.

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Il palcoscenico è vuoto, le luci si sono spente e il velluto delle poltrone è ormai freddo. Gli applausi sono finiti, così come le parole pronunciate davanti agli altri. Fuori, il vento d’inverno raggiunge la porta di una casa in cui un’ultima candela continua a bruciare. Sono le immagini con cui Max De Lorenzis racconta il suo Natale in “The Last Candle”, il nuovo singolo disponibile da venerdì 13 novembre, scritto dal cantautore pugliese e composto da Nicola Bruno.

Un brano che prende forma proprio quando i festeggiamenti sono terminati, gli ospiti sono tornati alle proprie abitazioni e il silenzio permette finalmente di ascoltare i propri pensieri. La festa lascia spazio a un bilancio personale, fatto di ricordi, perdite e conquiste che il trascorrere degli anni ha insegnato a riconoscere.

«No more applause, no more to prove», canta Max De Lorenzis. Niente più applausi, niente più da dimostrare. Parole che acquistano un significato particolare per un cantautore che ha cominciato a esibirsi a sedici anni e ha dedicato una parte significativa della propria produzione discografica alla ricerca della propria identità e al tentativo di sottrarsi alle aspettative altrui.

In “The Last Candle”, però, la scena è già conclusa. Rimane la possibilità di tornare a casa, chiudere la porta e riconoscere il valore di quanto si è realizzato, senza sentire il bisogno di ottenere un’ulteriore conferma.

Il Natale diventa così l’occasione per raccontare una conquista della vita adulta: imparare a essere soddisfatti di ciò che si ha, senza continuare a misurare la propria esistenza attraverso quello che ancora manca.

La canzone nasce proprio dall’esigenza di mettere a confronto la frenesia del mondo esterno con la quiete che arriva al termine di una lunga giornata o di una fase importante della propria vita. De Lorenzis sceglie l’atmosfera raccolta delle festività invernali e dà vita a un racconto nel quale le immagini tradizionalmente associate al Natale – il freddo, la casa, il fuoco, la luce – si legano inevitabilmente all’esperienza personale.

Il rapporto con il tempo che passa emerge anche dalle parole «I’ve found the gold in growing old», «Ho trovato l’oro nell’invecchiare». Una riflessione sulla maturità e sulla capacità di riconoscere il valore delle esperienze vissute, comprese quelle più difficili.

A trentun anni, il cantautore utilizza un’espressione generalmente associata a un’età più avanzata per raccontare ciò che l’esperienza gli ha insegnato. Crescere significa anche fare i conti con quello che è andato perduto, riconoscere i propri cambiamenti e comprendere quali aspetti della vita meritino ancora attenzione. Il tempo, spesso vissuto come qualcosa da rincorrere, diventa nella canzone ciò che permette di attribuire un valore diverso alle esperienze.

Il riferimento all’oro ritorna anche nella seconda strofa, questa volta associato ai pini invernali. Dopo aver interpretato la propria parte e pronunciato tutte le battute, il protagonista sembra trovare nella natura e nella tranquillità domestica ciò che aveva cercato altrove.

Lo stesso paesaggio, tuttavia, conserva tracce di malinconia. Le stelle sospese nel gelo accompagnano il ricordo delle cose perdute, mentre il vento continua a soffiare all’esterno. Il silenzio della notte offre il tempo per ripensare al passato, senza che il desiderio di tornare indietro impedisca di apprezzare il presente.

È una scelta narrativa che distingue “The Last Candle” da buona parte dell’immaginario natalizio più convenzionale. La canzone arriva dopo il momento collettivo della festa, quando l’attenzione torna sulle persone, sulle abitudini e sui piccoli gesti che compongono la vita privata. Il Natale viene osservato dalla prospettiva di chi, conclusi gli impegni e le celebrazioni, può finalmente concedersi una pausa.

A rappresentare questa condizione è l’ultima candela, una fiamma che continua a illuminare la casa durante la notte. Nel ritornello, la sua luce accompagna uno spazio condiviso, protetto dal freddo e dal buio esterni.

La casa, il movimento di due persone al suo interno, una sola fiammella contro l’oscurità. Pochi elementi attraverso i quali De Lorenzis ricostruisce il senso di una felicità domestica, lontana dalla necessità di essere mostrata o raccontata agli altri.

Una prospettiva che trova continuità anche nel percorso discografico dell’artista.

Nato a Brindisi il 23 maggio 1995, Max De Lorenzis ha iniziato a cantare nei locali pugliesi durante l’adolescenza, avviando successivamente una produzione indipendente in lingua inglese. Nel 2020 ha pubblicato “River in the Sky”, seguito da “Something Beautiful” e “Whole Lot of Love”, tre singoli che avevano raggiunto complessivamente oltre 400.000 ascolti su Spotify. Il passaggio all’italiano, avvenuto nel febbraio 2024 con “Ci sarò”, aveva segnato l’inizio di una fase maggiormente autobiografica. In quella canzone, De Lorenzis affrontava il peso del giudizio e delle imposizioni esterne, immaginando un dialogo con sé stesso nel quale prometteva di non abbandonare la propria identità per compiacere gli altri. Il brano aveva anticipato “La 5ª Casa”, album d’esordio pubblicato il 15 marzo 2024, seguito da altri due singoli attraverso i quali il cantautore aveva ripercorso differenti momenti della propria crescita.

Con “Ciao come stai?”, dedicato alla memoria di un primo amore perduto, aveva raccontato la difficoltà di accettare un’assenza e il modo in cui alcuni legami continuano ad accompagnare la vita anche dopo la loro conclusione. In “Sogno solo il sole”, invece, il racconto si era spostato sulla necessità di interrompere una relazione diventata opprimente, recuperando la libertà di scegliere per se stesso. Il brano concludeva una trilogia che l’artista aveva associato simbolicamente all’infanzia, all’adolescenza e all’ingresso nell’età adulta. Anche i videoclip avevano contribuito a sviluppare questo percorso narrativo. Quello di “Ciao come stai?”, diretto da Francesco Sardano e presentato in anteprima su Sky TG24, si concludeva con la scritta To Be Continued, mentre “Sogno solo il sole”, realizzato dallo stesso De Lorenzis insieme a Sardano, terminava con The End, a indicare la chiusura di una fase personale.

Con “The Last Candle”, il racconto prosegue attraverso una prospettiva differente. Dopo aver dedicato diverse canzoni alla necessità di affrontare il passato e recuperare la propria autonomia, Max descrive una condizione di pace già raggiunta, nella quale la gratitudine convive con la consapevolezza delle esperienze attraversate. Il singolo rappresenta anche uno spartiacque nel suo percorso discografico: chiude idealmente il capitolo legato a “La 5ª Casa” e anticipa una nuova fase artistica, che prenderà forma con il secondo album di inediti, interamente in italiano, previsto per la metà del 2027. Il ritorno all’inglese assume così un significato particolare, riallacciandosi alla prima fase della sua carriera prima di una nuova stagione discografica nella sua lingua madre.

La collaborazione con Nicola Bruno, già al suo fianco nei precedenti progetti, accompagna questa nuova pubblicazione, concepita come una ballata invernale dal carattere intimo e atmosferico. La scrittura privilegia immagini essenziali e un linguaggio diretto, affidando alla ripetizione del ritornello il compito di riportare l’attenzione su ciò che rimane quando il rumore della giornata si esaurisce.

L’uscita anticipa la stagione natalizia e propone una lettura delle festività che può trovare spazio anche al di fuori del repertorio tradizionalmente associato al periodo. Le atmosfere raccolte della canzone, infatti, accompagnano una riflessione che riguarda la fine di un anno, il passaggio del tempo e il bisogno di riconoscere ciò che ha resistito ai cambiamenti.

“The Last Candle” è accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto dal fotografo e videomaker Francesco Sardano e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, che affianca alla pubblicazione discografica un ulteriore capitolo del percorso audiovisivo del cantautore.

La scelta di concludere il racconto attorno a una candela accesa sottolinea il significato più personale del brano: dopo aver cercato, perso, ricominciato e imparato a lasciar andare, il protagonista può concedersi di restare.

Fuori, il vento continua a soffiare. Dentro, la casa è ancora illuminata. Gli applausi sono finiti da tempo. E per una volta, Max De Lorenzis sente che non gli manca nulla.

ASCOLTA “BETWEEN THE BLUES AND THE RISING SUN”!

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Un viaggio circolare tra suoni e colori che segue il ritmo di una giornata, dal primo respiro dell’alba fino al dissolversi della luce. L’album attraversa la complessità emotiva dell’esperienza umana, sospesa tra profonda malinconia e luminosa gioia, nel continuo fluire delle emozioni.

Il sound affonda le proprie radici nell’epoca d’oro delle grandi band tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli anni Settanta, come Allman Brothers Band, Pink Floyd e Grateful Dead, reinterpretandone l’eredità attraverso una sensibilità contemporanea e una produzione dal suono nitido e moderno.

In un mondo che corre sempre più veloce, concedersi il tempo di ascoltare con attenzione diventa un atto di resistenza e una forma di riconnessione con l’essenza stessa della musica.

Between the Blues and the Rising Sun, l’album di debutto dei GREEN FUDGE, incarna questa filosofia, offrendo un’esperienza da vivere senza fretta.

TRACKLIST

BE FREE

Una suite di 18 minuti che introduce l’intero universo del disco, racchiudendo temi e sonorità che verranno sviluppati nei brani successivi. Dal timido risveglio psichedelico iniziale fino a riff potenti, il brano rappresenta una vera e propria dichiarazione d’intenti.

FLY HIGH

Un classico rock ‘n’ roll dal sapore old school che rivela immediatamente l’anima spensierata e festosa della band, sia nella musica che nel testo. Con la sua energia trascinante, accompagna l’ascoltatore verso una dimensione di leggerezza, invitandolo a lasciarsi alle spalle le preoccupazioni quotidiane.

RISE

Una ballad cantautorale dai toni limpidi e leggeri che porta con sé un messaggio chiaro che rappresenta al meglio la filosofia della band: “Every time you hate, you waste your love”.

Rise è una canzone che sceglie la luce al posto dell’oscurità, invitando l’ascoltatore a riflettere sul valore della positività. Il sound brillante, caratterizzato dal pianoforte e dalla chitarra acustica, sfocia in una jam finale che, dal vivo, può prendere ogni volta direzioni differenti.

ELDER SEERS

Elder Seers affronta il tema del cambiamento climatico, una realtà che riguarda tutti e che ci chiama a confrontarci con il futuro del pianeta.

Attraverso una trama sonora onirica, il narratore intraprende un viaggio interiore illuminante, esprimendo la propria ammirazione per Madre Natura e, al tempo stesso, la responsabilità di preservarla e proteggerla.

ELDORADO

Un brano dalle atmosfere oscure, costruito principalmente attorno al pianoforte e al sintetizzatore. Quest’ultimo prende progressivamente il comando fino a dominare il finale con un timbro tagliente e aggressivo.

L’anima noir della poesia di Edgar Allan Poe trova qui una naturale trasposizione musicale, dando vita a un paesaggio sonoro inquieto e suggestivo.

MARY JANE

Primo singolo pubblicato dalla band, Mary Jane è stato riarrangiato per il disco d’esordio, assumendo un carattere ancora più onirico e psichedelico. Determinante in questo senso è l’aggiunta della sezione centrale, dove le due batterie si fondono in un groove solido e ipnotico.

Il brano parla d’amore in modo diretto e sincero, toccando un tema che, in fondo, rappresenta il cuore dell’intero album.

GATES OF DAWN

Il disco si chiude in un paesaggio immaginario freddo e ostile, dove melodie cupe e solitarie accompagnano un popolo nordico in fuga da una tempesta senza fine.

Nel corso del viaggio, la richiesta di aiuto trova finalmente risposta e la musica si apre gradualmente alla luce, evolvendo verso una dimensione sonora quasi celestiale. La conclusione del brano non rappresenta una fine, ma l’inizio di una nuova vita, pronta a riprendere il proprio corso.

I GREEN FUDGE sono una jam band blues-rock psichedelica con base nella soleggiata e ventosa baia di Trieste, nati da una solida amicizia e da una passione condivisa per la musica.

Il loro sound si colloca al crocevia tra l’energia del blues, il cantautorato americano e le atmosfere psichedeliche degli anni ’60 e ’70, reinterpretate attraverso un approccio personale che pone grande attenzione al suono, alle dinamiche e alla dimensione live. La band trae ispirazione da artisti come The Grateful Dead, The Allman Brothers Band, The Doors e The Beatles, fondendo groove blues, texture psichedeliche e ampi spazi di improvvisazione ai loro brani.

Nella primavera del 2025 i GREEN FUDGE pubblicano il loro singolo d’esordio, “Mary Jane”. All’inizio dell’estate è seguito il secondo singolo, “Fly High”.

Il 29 Maggio 2026, dopo l’uscita del loro terzo singolo “Elder Seers”, i GREEN FUDGE presentano live il loro album di debutto “Between the Blues and the Rising Sun”, uscito il 10 luglio sotto l’agenzia SorryMom!.