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ASCOLTA “SOLO ME STESSO”!

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GUARDA IL LYRICS VIDEO

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In un mondo in cui ogni pensiero sembra dover circolare, essere riconoscibili non significa necessariamente essere compresi. Da questa distanza tra ciò che mostriamo e ciò che siamo nasce “Solo me stesso”, il nuovo singolo dei Flussi Inversi: una riflessione sull’identità, sui compromessi e sulla difficoltà di trovare la propria voce dentro il rumore del presente.

“Vorrei trovare il mio posto senza mai accettare un compromesso”: il desiderio espresso nel testo non è quello di isolarsi, ma di non dover rinunciare a una parte di sé per essere accettati. La dimensione personale si confronta così con un mondo definito “virale”, dove la velocità della comunicazione non garantisce la profondità dell’ascolto.

Musicalmente, il brano sviluppa questa tensione attraverso un impianto New Prog dinamico, costruito come un flusso di coscienza. Le sonorità eteree che aprono e chiudono il pezzo delimitano una struttura circolare, mentre la parte centrale concentra pensieri e contraddizioni in una progressione che rinuncia alla consueta alternanza tra strofa e ritornello. La forma segue il movimento della mente, con le sue accelerazioni e i suoi ritorni.

Ma il punto d’arrivo non è la difesa ostinata dell’io. “Ed ora che ho spento quella parte di orgoglio che sento” introduce un passaggio decisivo: abbassare le proprie difese non significa tradire la propria identità, ma rendere possibile un incontro. È qui che la fragilità smette di essere un limite e diventa disponibilità verso l’altro.

“Solo me stesso” tiene insieme due esigenze che spesso sembrano inconciliabili: restare fedeli a ciò che si è e riuscire a raggiungere chi ci sta intorno. Perché parlare a milioni di persone ha senso soltanto se, nel tentativo di farsi ascoltare, non si perde la propria voce.

I Flussi Inversi sono un progetto musicale nato dall’incontro tra il compositore e pianista Orazio Saracino, il producer e sound engineer Alex Grasso e il cantante e paroliere Flavio Paternesi, entrato nella formazione nel 2022.

La loro musica unisce ricerca sonora, tecnica strumentale e una forte componente narrativa.

L’esordio discografico, “Terra e Anima”, intreccia progressive rock, jazz, elettronica, musica per film e influenze gypsy, con la partecipazione di musicisti ospiti di rilievo.

Con il secondo album, “Noi”, composto da undici tracce, la band sviluppa una direzione più compatta e contemporanea.

Il trio definisce il proprio linguaggio come New Prog, una rilettura moderna del progressive rock italiano, distante dalle sonorità vintage degli anni Settanta.

Strutture fluide e accessibili convivono con ritmi articolati, passaggi strumentali complessi e il superamento dei tradizionali schemi della canzone.

La scelta di scrivere in italiano è centrale nella ricerca espressiva del gruppo.

Al centro di “Noi” c’è l’essere umano, raccontato attraverso fragilità, paure e desiderio di riscatto in una società precaria.

Grazie a influenze trasversali e a una cura meticolosa della produzione, i Flussi Inversi costruiscono un’identità musicale in cui sperimentazione e intensità emotiva procedono insieme.

ASCOLTA “BETWEEN THE BLUES AND THE RISING SUN”!

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Un viaggio circolare tra suoni e colori che segue il ritmo di una giornata, dal primo respiro dell’alba fino al dissolversi della luce. L’album attraversa la complessità emotiva dell’esperienza umana, sospesa tra profonda malinconia e luminosa gioia, nel continuo fluire delle emozioni.

Il sound affonda le proprie radici nell’epoca d’oro delle grandi band tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli anni Settanta, come Allman Brothers Band, Pink Floyd e Grateful Dead, reinterpretandone l’eredità attraverso una sensibilità contemporanea e una produzione dal suono nitido e moderno.

In un mondo che corre sempre più veloce, concedersi il tempo di ascoltare con attenzione diventa un atto di resistenza e una forma di riconnessione con l’essenza stessa della musica.

Between the Blues and the Rising Sun, l’album di debutto dei GREEN FUDGE, incarna questa filosofia, offrendo un’esperienza da vivere senza fretta.

TRACKLIST

BE FREE

Una suite di 18 minuti che introduce l’intero universo del disco, racchiudendo temi e sonorità che verranno sviluppati nei brani successivi. Dal timido risveglio psichedelico iniziale fino a riff potenti, il brano rappresenta una vera e propria dichiarazione d’intenti.

FLY HIGH

Un classico rock ‘n’ roll dal sapore old school che rivela immediatamente l’anima spensierata e festosa della band, sia nella musica che nel testo. Con la sua energia trascinante, accompagna l’ascoltatore verso una dimensione di leggerezza, invitandolo a lasciarsi alle spalle le preoccupazioni quotidiane.

RISE

Una ballad cantautorale dai toni limpidi e leggeri che porta con sé un messaggio chiaro che rappresenta al meglio la filosofia della band: “Every time you hate, you waste your love”.

Rise è una canzone che sceglie la luce al posto dell’oscurità, invitando l’ascoltatore a riflettere sul valore della positività. Il sound brillante, caratterizzato dal pianoforte e dalla chitarra acustica, sfocia in una jam finale che, dal vivo, può prendere ogni volta direzioni differenti.

ELDER SEERS

Elder Seers affronta il tema del cambiamento climatico, una realtà che riguarda tutti e che ci chiama a confrontarci con il futuro del pianeta.

Attraverso una trama sonora onirica, il narratore intraprende un viaggio interiore illuminante, esprimendo la propria ammirazione per Madre Natura e, al tempo stesso, la responsabilità di preservarla e proteggerla.

ELDORADO

Un brano dalle atmosfere oscure, costruito principalmente attorno al pianoforte e al sintetizzatore. Quest’ultimo prende progressivamente il comando fino a dominare il finale con un timbro tagliente e aggressivo.

L’anima noir della poesia di Edgar Allan Poe trova qui una naturale trasposizione musicale, dando vita a un paesaggio sonoro inquieto e suggestivo.

MARY JANE

Primo singolo pubblicato dalla band, Mary Jane è stato riarrangiato per il disco d’esordio, assumendo un carattere ancora più onirico e psichedelico. Determinante in questo senso è l’aggiunta della sezione centrale, dove le due batterie si fondono in un groove solido e ipnotico.

Il brano parla d’amore in modo diretto e sincero, toccando un tema che, in fondo, rappresenta il cuore dell’intero album.

GATES OF DAWN

Il disco si chiude in un paesaggio immaginario freddo e ostile, dove melodie cupe e solitarie accompagnano un popolo nordico in fuga da una tempesta senza fine.

Nel corso del viaggio, la richiesta di aiuto trova finalmente risposta e la musica si apre gradualmente alla luce, evolvendo verso una dimensione sonora quasi celestiale. La conclusione del brano non rappresenta una fine, ma l’inizio di una nuova vita, pronta a riprendere il proprio corso.

I GREEN FUDGE sono una jam band blues-rock psichedelica con base nella soleggiata e ventosa baia di Trieste, nati da una solida amicizia e da una passione condivisa per la musica.

Il loro sound si colloca al crocevia tra l’energia del blues, il cantautorato americano e le atmosfere psichedeliche degli anni ’60 e ’70, reinterpretate attraverso un approccio personale che pone grande attenzione al suono, alle dinamiche e alla dimensione live. La band trae ispirazione da artisti come The Grateful Dead, The Allman Brothers Band, The Doors e The Beatles, fondendo groove blues, texture psichedeliche e ampi spazi di improvvisazione ai loro brani.

Nella primavera del 2025 i GREEN FUDGE pubblicano il loro singolo d’esordio, “Mary Jane”. All’inizio dell’estate è seguito il secondo singolo, “Fly High”.

Il 29 Maggio 2026, dopo l’uscita del loro terzo singolo “Elder Seers”, i GREEN FUDGE presentano live il loro album di debutto “Between the Blues and the Rising Sun”, uscito il 10 luglio sotto l’agenzia SorryMom!.

ASCOLTA “SCARABOCCHI”!

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Ci sono incontri in cui le parole arrivano dopo gli sguardi, e basta poco per sentirsi esposti più di quanto si vorrebbe. “Scarabocchi”, il nuovo singolo di V!KTORIA, racconta proprio quel momento in cui qualcuno sembra attraversare le nostre difese e intravedere ciò che ancora fatichiamo a mettere a fuoco.

Il disordine interiore diventa una tela da riempire, senza la pretesa di renderla perfetta o comprensibile a tutti.

«Sembra che tu legga quello che ho dentro / Mi fa paura e mi eccita un po’»: il testo restituisce l’ambivalenza di chi desidera essere visto, ma non sa quanto sia pronto a lasciarsi scoprire. L’intimità non viene idealizzata, è fatta di esitazioni, pensieri che si accavallano e una disponibilità a rischiare qualcosa di sé.

«Non voglio che sia tutto quanto perfetto / Mi basta solo che ci credi davvero» sposta il focus della storia: non servono risposte definitive, ma la volontà di esserci, anche quando il quadro è incompleto.

Tra il bisogno di controllo e il desiderio di abbandonarsi, “Scarabocchi” sceglie l’imprevisto, guardando alla la vulnerabilità come possibilità di incontro.

Non c’è un ordine da ristabilire, né un’immagine da difendere: ci si può scoprire insieme, anche attraverso ciò che non si riesce ancora a dire.

Il brano racconta così un’intimità che prende forma nel caos, quando smettere di cercare la perfezione diventa il primo passo verso qualcosa di autentico.

V!KTORIA, all’anagrafe Greta Sannino, è una cantautrice e songwriter torinese che dal 2022 porta avanti un progetto personale in cui l’immediatezza del pop incontra l’energia e l’attitudine punk. Parallelamente alla propria produzione, scrive brani per altri artisti, esplorando linguaggi e sonorità differenti. Con 17 brani pubblicati, ha delineato un’identità musicale riconoscibile, che trova sul palco la sua espressione più diretta: accompagnata da una band composta da batteria, basso e due chitarre, dà vita a un live intenso, viscerale e senza filtri.

Nel 2024 entra nel roster management di Sorry Mom! e, l’anno successivo, il videoclip di “Le cose che non so” viene presentato sulla pagina ufficiale di SkyTG24.

Il 2025 segna anche la sua presenza nella settimana del Festival di Sanremo, con interviste radiofoniche e partecipazioni a Casa Sanremo e Casa Bontempi. A giugno pubblica “Cocktail Bar”, seguito a settembre dal remix ufficiale, entrambi per Elisir Records e distribuiti da Visory Records. Nel febbraio 2026 torna a Sanremo durante la settimana del Festival con “Le Sei”, proseguendo un percorso in cui scrittura, ricerca sonora e dimensione live restano elementi centrali. La sua musica conserva una cifra personale e spontanea, lontana da formule predefinite, in cui la contaminazione tra generi accompagna una scrittura diretta e autentica.

ASCOLTA “LOSE YOURSELF”!

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Ci sono momenti in cui sembra di aver smarrito la propria identità, intrappolati in una quotidianità fatta di imposizioni, falsità e compromessi. Eppure, dentro di noi, continua a bruciare un’energia che chiede soltanto di essere liberata. È da questa tensione che nasce “Lose Yourself”, il nuovo brano dei RockTrain Slaves: un invito a fermarsi, lasciarsi andare e dimenticare tutto, almeno per una notte, per ritrovare se stessi.

Perdersi nel caos, abbandonare le convenzioni e concedersi un momento di autentica libertà. Non una soluzione definitiva ai problemi, né la promessa di un mondo senza conflitti, ma un’occasione per rompere le gabbie della quotidianità e riconnettersi con la propria essenza. Perché, come suggerisce il brano, non esiste arcobaleno senza prima una tempesta.

Dal punto di vista sonoro, “Lose Yourself” affonda le proprie radici nel rock americano degli anni Settanta. L’apertura è affidata a un riff in accordatura aperta che richiama le atmosfere della Bayou, territorio e immaginario profondamente legati alla tradizione musicale statunitense. Le percussioni ipnotiche disegnano il paesaggio sonoro, mentre il basso ne sostiene la struttura con profondità e carattere.

L’invocazione “Give us a band, a rocking land” segna il momento in cui il brano prende definitivamente quota, lasciandosi alle spalle la palude per entrare nel vivo di un’esplosione rock. Gli intrecci delle chitarre rafforzano l’impatto della composizione, mentre il solo di slide guitar accompagna il pezzo verso un finale feroce e viscerale.

Registrato in presa diretta e con un ricorso minimo alle sovraincisioni, “Lose Yourself” restituisce un suono diretto, essenziale e senza artifici. Una scelta precisa, pensata per catturare l’energia e la spontaneità della band, trasportando l’ascoltatore idealmente nel mezzo di un live dei RockTrain Slaves e restituendone tutta l’essenza.

I RockTrain Slaves nascono a Bologna nel 2004 dall’incontro di due amici d’infanzia, accomunati da una visione precisa della musica: fondere le diverse influenze e tradizioni che hanno segnato il loro percorso artistico, dal Delta Blues al rock degli anni Settanta, dando vita a un repertorio originale e scegliendo fin da subito di non affidarsi al classico circuito delle cover band.

Nell’aprile 2008 pubblicano il loro primo album autoprodotto, “The Rain Can Wait”, una raccolta di brani inediti distribuita da Self/Hitland Records nei negozi e sulle principali piattaforme digitali. Il disco apre alla band le porte di importanti palcoscenici italiani, portandola a esibirsi in alcuni dei festival blues più prestigiosi del Paese, tra cui il Pistoia Blues Festival 2008, e ad aprire i concerti di autentiche leggende della scena internazionale come Johnny Winter e Dickey Betts & The Great Southern.

Dopo anni di intensa attività live e l’ingresso di una seconda chitarra, nell’ottobre 2014 arriva il secondo album in studio, “Another Place”, composto interamente da brani originali e accolto positivamente dalle radio locali e dalla stampa specializzata.

Nel corso di circa dieci anni di attività, i RockTrain Slaves superano le 250 esibizioni dal vivo, consolidando un’identità musicale radicata nel rock blues più autentico e viscerale, capace di esprimersi con la stessa energia sul palco e in studio.

Dopo una pausa forzata dovuta alla pandemia, la band torna al lavoro su nuovo materiale e realizza** l’EP “All The Rest”, pubblicato nel 2023.**

**All’inizio del 2026 i RockTrain Slaves rientrano in studio per registrare tre nuovi brani inediti: “Soulshine”, “Lose Yourself” e “Goodmorning Devil”. Un nuovo capitolo del percorso artistico della band, che nel corso dell’anno porterà le nuove produzioni sulle principali radio e piattaforme digitali.**

Dal 13 novembre 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica “A ruota libera”, il nuovo singolo di Titta per Red&Blue Music Relations distribuito da ADA Music Italy.

“A ruota libera” è un brano pop-rock dal forte valore sociale che affronta il tema della disabilità con uno sguardo autentico, diretto e lontano da ogni retorica.

Ispirata all’amicizia con Elisa, protagonista anche del videoclip ufficiale, la canzone nasce da una consapevolezza chiara: la vera barriera non è la sedia a rotelle, ma il modo in cui scegliamo di guardare gli altri e noi stessi. Un invito a cambiare prospettiva per riconoscere in ogni persona una storia prima ancora di un’etichetta, mettendo al centro la libertà, la dignità e l’unicità di ciascuno.

Spiega l’artista a proposito del brano: “A RUOTA LIBERA è una delle canzoni più importanti che abbia mai scritto. L’ho scritta per Elisa, è una mia amica, grazie ai suoi racconti. Parla di lei ma credo che parlerà a molti. Stando accanto a lei, mi sono resa conto di quante volte siamo portati a pensare che il limite appartenga solo a chi vive una disabilità, quando invece appartiene al mondo che abbiamo costruito intorno a quella persona. Questa canzone non vuole parlare della carrozzina. Vuole parlare dello sguardo. Perché una rampa, una pedana, un marciapiede accessibile non sono gesti straordinari: dovrebbero essere la normalità. Eppure, troppo spesso, continuiamo a progettare città che escludono invece di accogliere.

Il videoclip racconta proprio questo: le barriere architettoniche non sono un destino. Sono una scelta progettuale. E se sono una scelta, allora possono essere cambiate da un’altra scelta.

Credo che A RUOTA LIBERA sia il brano che forse più rappresenta lo spirito di FUORI ASSE. Perché ci ricorda che le persone non hanno bisogno della nostra pietà. Hanno bisogno di un mondo che smetta di essere progettato solo per alcuni e inizi, finalmente, a essere pensato per tutti.” 

Il videoclip di “A ruota libera”, diretto da Armando Di Lillo, si sviluppa attraverso due narrazioni parallele che si intrecciano e si completano a vicenda.

Da una parte, Titta interpreta il brano in uno studio di registrazione, il luogo in cui la musica prende vita. Dall’altra, Elisa, protagonista del video e persona in sedia a rotelle, affronta la quotidianità di una città troppo spesso progettata senza considerare chi si muove diversamente: scalini, barriere architettoniche e auto parcheggiate sulle strisce pedonali diventano il simbolo di un ostacolo che non appartiene all’individuo, ma agli spazi condivisi.

I due percorsi convergono nel finale, quando Elisa raggiunge lo studio. Uno scalino sembra sbarrarle la strada, ma una rampa le consente di andare oltre. A volte basta poco per oltrepassare un dislivello, ma prima ancora dell’infrastruttura serve qualcuno che abbia deciso che quel gradino non dovesse più rappresentare un confine.

“A ruota libera” non racconta la disabilità come un limite personale, bensì invita a riflettere su quanto siano i condizionamenti fisici e culturali a restringere la libertà delle persone con disabilità. Perché rendere gli spazi accessibili non semplifica soltanto la vita di chi si muove in carrozzina: costruisce un mondo migliore per tutti. 

Guarda il videoclip: https://youtu.be/_RF9gr6qtZI

Biografia

Titta, nome d’arte di Letizia Tassi, è una cantautrice, attrice, autrice e formatrice teatrale romana. La sua ricerca artistica nasce e si sviluppa con naturalezza dall’incontro tra musica e teatro, dando vita a un linguaggio profondamente narrativo in cui ogni canzone diventa una storia da abitare prima ancora che da ascoltare. Vincitrice del Premio Mogol e del Roma Music Festival, Titta mette al centro del proprio percorso temi cruciali della contemporaneità come salute mentale, identità, corpo, inclusione, relazioni e desiderio di appartenenza, alternando intensità emotiva, ironia, rabbia, introspezione e una forte dimensione teatrale.

Forte di una solida formazione multidisciplinare teatrale e vocale, affianca alla carriera sul palco un profondo interesse per le artiterapie espressive. Ha collaborato attivamente in contesti educativi e performativi, portando la propria testimonianza fino alla Camera dei Deputati, dove è intervenuta più volte come relatrice con speech dedicati al potere terapeutico dell’arte, completando parallelamente il proprio percorso didattico con il Diploma in Canto Moderno. Il suo sound risente di influenze eterogenee che spaziano dal cantautorato contemporaneo e il teatro-canzone fino a sonorità alternative pop, arricchite dall’impronta del musical anglo-americano. Tra le tappe significative del suo percorso spiccano la traccia d’esordio “Ostaggi”, l’intimo ritratto familiare di “Mimma” e “Perfetta”, inno all’unicità e all’imperfezione.

Con il concept album “FUORI ASSE – carta celeste per stelle inclinate”, Titta inaugura un viaggio artistico che invita a cambiare punto di vista, riconoscendo il valore delle fragilità e celebrandole come parte fondamentale della nostra unicità, della nostra resistenza e del riscatto personale.

Il cammino discografico del progetto prende avvio a giugno 2026 con il singolo d’esordio “Cronika” — brano che fotografa il momento di rottura tra corpo, mente e ritmi imposti dalla società, accompagnato da un videoclip diretto da Armando Di Lillo, editato da Ilaria Tonali e interpretato dalla performer Anna Bucci —, proseguito poi a luglio con “Right here, right now”, a settembre con “A metà strada” e a ottobre con “Neurodivertente”.

“A ruota libera” è il nuovo singolo di Titta per Red&Blue Music Relations, distribuito da ADA Music Italy e disponibile su tutte le piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica dal 13 novembre 2026.

INSTAGRAM https://www.instagram.com/____letiziatittatassi____/

Nell’ambito della 40^a edizione di “Futuro Remoto”, iniziativa organizzata dalla Città della Scienza e dedicata quest’anno all’immaginazione dei futuri, si è svolta oggi nel capoluogo campano, la presentazione del “Manifesto dei Musei dei Futuri”, promosso da Città della Scienza, Ecosistema Futuro, ASviS, ICOM Italia e Ministero della Cultura, nell’ambito del Festival Futuro Remoto 2026. 

Napoli – Come possono i musei contribuire a esplorare i futuri possibili e a orientare le scelte del presente? E come possono integrare questa prospettiva nelle proprie attività, mettendo in relazione il patrimonio culturale con le trasformazioni della società? Per rispondere a queste domande, è nato il “Manifesto dei Musei dei Futuri”, promosso da Ecosistema Futuro, ASviS e ICOM Italia con la partnership istituzionale del Ministero della Cultura, presentato oggi al Museo della Scienza di Napoli.

Il Manifesto illustra i valori, le riflessioni e le prospettive emerse dal percorso compiuto dai 45 musei del “Network dei Musei dei Futuri”, riunitisi all’interno del progetto Ecosistema Futuro (www.ecosistemafuturo.it), e propone una visione condivisa del ruolo che i musei possono svolgere nell’esplorazione dei futuri possibili. La firma simbolica del Manifesto è avvenuta oggi nel corso dell’evento “Musei al futuro plurale. Dialoghi per il lancio del Manifesto dei Musei dei Futuri”, organizzato da Città della Scienza e dai promotori del Network, nell’ambito della 40ª edizione di “Futuro Remoto”, il festival dedicato dal museo campano alla divulgazione scientifica.

“Ecosistema Futuro è un progetto nato per portare il futuro (meglio, i futuri) e il pensiero di lungo periodo al centro del dibattito culturale, politico, economico e sociale del nostro Paese, per migliorare le scelte che esso è chiamato a compiere in un’epoca di grande incertezza”, commenta il direttore scientifico dell’ASviS, Enrico Giovannini. “I musei hanno un ruolo determinante in tale processo perché mettono in dialogo passato, presente e futuro e possono aiutare le persone, specialmente le giovani generazioni, a comprendere le trasformazioni in corso e a partecipare alle decisioni che riguardano il loro domani, come ha recentemente invitato a fare il Presidente della Repubblica Sergio Mattarella”.

“Come ricorda la nuova definizione di museo approvata da ICOM nel 2022, i musei non sono solo depositi di memorie ma offrono anche esperienze di riflessione e di condivisione di conoscenze: aspirano quindi anche a fornire uno sguardo critico sul presente e i futuri. L’interesse dimostrato da molti musei associati a ICOM Italia per il Network e l’adesione crescente alle attività dell’Ecosistema dimostrano la vitalità di un mondo in grado di stare al passo con le sfide della contemporaneità”, aggiunge Antonella Pinna, Presidente di ICOM Italia

“Dal cambiamento climatico alla biodiversità, dall’intelligenza artificiale al futuro del lavoro e dell’apprendimento, i musei offrono spazi di confronto su questioni decisive per le società contemporanee – aggiunge Michela Rota di Ecosistema Futuro. Il Manifesto li invita a affrontare questi ed altri temi chiave con una postura di alfabetizzazione ai futuri e di pensiero anticipante, portandoli nelle mostre e nelle attività educative, coinvolgendo le comunità nell’esplorazione di scenari futuri”, sottolinea Michela Rota, coordinatrice dell’area Musei dei Futuri del progetto Ecosistema Futuro.

L’iniziativa si inserisce nell’ambito della 40^a edizione di “Futuro Remoto”, organizzata da Città della Scienza e dedicata proprio a “L’immaginazione di futuri”. “Celebrare questa ricorrenza non significa volgersi indietro con nostalgia, ma rinnovare con fermezza una promessa civile: fare della scienza un bene comune, vivo e condiviso –dichiara Giovanni Covone, presidente di Città della Scienza- “Il Manifesto dei Musei dei Futuri sarà una sfida per trasformare le istituzioni culturali in vere e proprie antenne di innovazione e laboratori di sostenibilità capaci di orientare le scelte del presente”.

L’evento è stato dedicato alla memoria di Michele Lanzinger, storico direttore del MUSE e figura di riferimento della museologia europea, per ricordare il suo contributo alla nascita del Network e alla riflessione sul ruolo dei musei e sulla loro capacità di confrontarsi con le sfide del presente e del futuro. All’incontro sono intervenuti Giovanni Covone, presidente di Fondazione Idis – Città della Scienza; Enrico Giovannini, direttore scientifico dell’ASviS; Antonella Pinna, presidente di ICOM Italia; Anna Flavia Cimmino, dirigente del Servizio II (Coordinamento tecnico e monitoraggio del DiVA) del Ministero della Cultura; Luca Miggiano e Michela Rota di Ecosistema Futuro.

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Focus di approfondimento– Gli eventi in programma nei Musei del Network

Da Napoli a Trento, da Torino a Trinitapoli in provincia di Barletta: proseguono le iniziative promosse dal Network dei Musei dei Futuri, iniziativa realizzata attraverso la collaborazione tra Ecosistema Futuro e ICOM Italia. L’elenco dei musei aderenti al Network dei Musei dei Futuri – Ecosistema Futuro e le loro iniziative sono consultabili qui: Public Programme del Network Musei dei Futuri.

Il Festival “Futuro Remoto” si svolge dal 10 al 15 novembre alla Città della Scienza a Napoli. Dedicato quest’anno a “L’immaginazione di futuri” il Festival prevede l’ingresso gratuito a tutte le attività del Science Centre. Si apre il 10 novembre con la lectio magistralis del Premio Nobel per la Medicina 2026 Georg Nagel; tra gli ospiti Silvia Bencivelli, Massimo Polidoro, Roberto Mercadini e il Presidente dell’INAF Roberto Ragazzoni. Da novembre il cuore di Città della Scienza e l’intero territorio regionale si trasformano in un grande laboratorio diffuso, pronto a generare nuove visioni per il futuro. Dopo la tappa inaugurale di Napoli, “Futuro remoto” proseguirà il suo viaggio in Campania a Salerno, Caserta, Benevento e Avellino con un ricco programma di incontri, laboratori e attività dedicate alla scienza, alla conoscenza e immaginazione del futuro. Foto Città della Scienza:

https://drive.google.com/drive/folders/1Y7aP7QvPo7fUVFgW2wHZUCjcdh-yEPwL?usp=drive_link

Al MUSE – Museo delle Scienze di Trento il “Parlamento della Biodiversità”, aperto fino al 6 giugno 2027, è allestito come un’aula parlamentare in cui al posto degli Stati siedono i biomi: i visitatori possono prendere la parola a nome di una specie. “Non abbiamo risposte pronte: abbiamo costruito uno spazio in cui riscoprire la bellezza e la complessità della rete della vita e immaginare insieme nuovi modi di abitare il pianeta”, spiega il team curatoriale, composto da Elisabetta Filosi, Lucilla Galatà, Osvaldo Negra e Laura Scillitani. Sempre al MUSE, “Messaggi dal domani” adatta il gioco narrativo Alice is Missing: i partecipanti indagano la scomparsa di Alice in una cittadina immaginaria del 2031, comunicando solo con messaggi scritti. Foto MUSE:

https://drive.google.com/drive/folders/1aGAnwZd70nhkKJwZbEQPWkODyRBTyP7Y?usp=sharing

Al MART – Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto il progetto “Io, l’arte e i futuri” e i laboratori per le scuole “Crononauta e Futuri in prima persona partono dalle opere d’arte del museo, in collaborazione con l’Italian Institute for the Future e l’ALAF – Associação Latina de Futuros. “Occuparsi dei futuri, come ci ha insegnato Federica Moscatelli, ha un significato profondo: l’idea di co-spirare. Organizzarci, cioè, per respirare insieme”, afferma Carlo Tamanini, responsabile dell’Area Educazione e Mediazione del Mart. Foto MART:

https://drive.google.com/drive/folders/1nq5aDN9kRtFqrbJUDDS2fhxi14rSRGw-?usp=drive_link

Al MAUTO – Museo Nazionale dell’Automobile di Torino, giovedì 26 novembre, “Play the Future” dedica una giornata alla Gen Z, ai linguaggi e alle competenze del futuro, esplorando il rapporto tra automobile, innovazione tecnologica, creatività e cultura digitale. Studenti e giovani creativi saranno coinvolti in prima persona tra workshop di progettazione digitale, sperimentazioni su Roblox, sfide di progettazione automobilistica e attività sulle competenze STEM, fino a un Live Gaming Show aperto al pubblico: un programma che intreccia cultura automobilistica, gaming e nuove forme di comunicazione per dare ai giovani un ruolo da protagonisti nell’immaginare la mobilità del futuro. Foto MAUTO:

https://drive.google.com/drive/folders/11ZOJtTdTa_YKYNIHaPhHAf4X9hnpbVFM?usp=sharing

Al Museo e Parco Archeologico degli Ipogei di Trinitapoli, dal 21 novembre 2026 al 21 febbraio 2027, la mostra “Materia e algoritmo. Il patrimonio tra archeologia e codice di Gabriele Strada”, a cura di Davide Russo, propone otto installazioni multimediali e interattive che mettono in dialogo patrimonio archeologico e linguaggi digitali, tra intelligenza artificiale, luce e sound design. Il programma, ideato dalla direttrice Mariangela Lo Zupone con la Rete Museale AltApulia – Puglia Culture, comprende anche un workshop per operatori museali, laboratori per le scuole e una tavola rotonda sul museo di domani. “Il percorso avviato un anno fa con ICOM Italia e ASviS ha proiettato la nostra realtà museale in un’ottica innovativa e mai sperimentata finora, di cui sono particolarmente felice”, afferma il sindaco di Trinitapoli Francesco Di Feo. Foto Trinitapoli:

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Ecosistema Futuro è una partnership nata a maggio 2025 per mettere il futuro – o meglio, i futuri – e il pensiero a lungo termine al centro della riflessione culturale, politica, economica e sociale del Paese. In questo momento più di 100 soggetti partecipano attivamente all’iniziativa, con quattro aree di lavoro, dedicate alla Ricerca, alla Divulgazione, all’ Educazione e alla Cultura e alla Partecipazione. Ecosistema Futuro www.ecosistemafuturo.it è promosso dall’Alleanza Italiana per lo Sviluppo Sostenibile ETS (ASviS), la più grande rete di organizzazioni della società civile italiana nata per diffondere la cultura della sostenibilità e far crescere nella società, nei soggetti economici e nelle istituzioni la consapevolezza dell’importanza degli Obiettivi di sviluppo sostenibile dell’Agenda 2030. www.asvis.it

Ecosistema Futuro ringrazia il Ministero della Cultura in qualità di partner istituzionale di questo progetto. Si ringraziano, inoltre: i partner strategici Entopan, IntesaSanpaolo, IREN, Gruppo RANDSTAD, Terravision Electric e TOYOTA Material Handling per il sostegno all’iniziativa; Strategic Partners per il supporto strategico; il partner d’area Fondazione Ericsson per il sostegno alle attività dell’area Musei dei Futuri. 

Lo scrittore e giornalista Davide Buzzi torna in libreria dal 28 ottobre con “La vera storia della morta sbagliata” (96, Rue de-La-Fontaine Edizioni per la collana La Rue Morgue), una commedia corale di paese dal sapore paradossale, costruita su dialoghi vivaci, ironia, umorismo nero e una galleria di personaggi irresistibilmente umani.

Ci troviamo nel piccolo Comune di Ronco, in Valle di Blenio, dove la chiusura della squadra di calcio locale lascia inutilizzato lo storico campo della Boscerina, di proprietà della parrocchia. La decisione di mettere a concorso il sedime per scopi agricoli o industriali attira subito l’interesse di diversi candidati, ognuno portatore di un progetto diverso e con ottime ragioni per voler mettere le mani su quel terreno.

Mentre il paese discute, prende posizione e si divide tra ambizioni imprenditoriali, interessi personali e inevitabili pettegolezzi, un fatto del tutto imprevisto sconvolge la tranquilla quotidianità della comunità. Quello che dovrebbe essere un normale funerale si trasforma infatti nell’inizio di una vicenda tanto assurda quanto difficile da rimediare.

Tra parroci, impresari di pompe funebri, commercianti, parenti indignati e personaggi di paese, una concatenazione di equivoci porta tutti a confrontarsi con una situazione sempre più paradossale, nella quale il confine tra tragedia e commedia diventa sottilissimo.

«Questo libro è nato un po’ da una domanda semplice: cosa succede quando, in un posto dove tutti si conoscono e tutti hanno qualcosa da dire, una piccola cosa va storta? Da lì ho cominciato a immaginare persone, situazioni, voci, caratteri; e più andavo avanti, più mi accorgevo che la storia parlava sì della morte, ma soprattutto dei vivi, delle loro paure, delle fissazioni, dell’orgoglio, delle incomprensioni e di quella strana capacità che abbiamo di complicare anche le cose più semplici – ha dichiarato Davide Buzzi.

Per farlo, volevo un paese credibile, abbastanza vero da sembrare esistito da sempre, ma abbastanza libero da permettermi di inventare persone, dinamiche e situazioni senza dover rendere conto a nessuno.

In posti così una storia non appartiene mai a una sola persona, passa continuamente di mano in mano, viene commentata, deformata, ingigantita. E a me interessava proprio questo, il modo in cui una comunità trasforma un fatto in un racconto. Alla fine credo che il libro parli anche di memoria, di appartenenza e di quel bisogno molto umano di sentirsi parte di qualcosa, persino quando quel qualcosa ci fa arrabbiare.

La scrittura è stata molto istintiva, spesso divertente, a volte quasi come stare ad ascoltare una conversazione al tavolo accanto; cercavo soprattutto il tono giusto, quello in cui si può sorridere anche di qualcosa di serio senza mancare di rispetto. Non volevo dare una morale precisa, preferivo lasciare il lettore libero di riconoscere qualcosa di sé o degli altri in questi personaggi. In fondo, credo che il romanzo dica una cosa abbastanza semplice: siamo tutti un po’ ridicoli, un po’ fragili e molto più umani di quanto ci piaccia ammettere.»

«“La vera storia della morta sbagliata” è un’opera che sa coniugare la freschezza del racconto corale con una raffinata satira di costume – ha commentato la casa editrice. Radicato nell’atmosfera autentica della Valle di Blenio, il romanzo trasforma la quotidianità di un piccolo paese in un teatro universale dell’assurdo. Tra equivoci crescenti e personaggi indimenticabili, Davide Buzzi firma una commedia umana moderna, capace di far sorridere e, al tempo stesso, far riflettere sul senso di comunità e sull’inevitabilità del tempo che passa.»

Con “La vera storia della morta sbagliata”, il viaggio letterario di Davide Buzzi non si esaurirà peraltro con l’ultima pagina, ma lascia aperta la strada a nuovi sviluppi e rivelazioni. Il paese, i suoi personaggi e le loro vicende torneranno, infatti, a intrecciarsi nel secondo romanzo della dilogia, perché per un autore, quando inventa un posto e comincia davvero ad abitarlo con i personaggi, non è poi così facile chiudere la porta e andarsene.

DATI TECNICI

Autore: Davide Buzzi

Titolo: La vera storia della morta sbagliata

Casa editrice: 96, Rue de-La-Fontaine Edizioni

Uscita: 28 ottobre 2026

Collana: La Rue Morgue

Numero pagine: 210

Prezzo: 19,00 Euro

EAN: 9788893990561

ISBN: 978-88-9399-056-1

Davide Buzzi è cantautore, scrittore, fotografo e autore svizzero con oltre trent’anni di attività artistica. Ha pubblicato cinque album e quattro libri, esibendosi in diversi paesi europei. Ha ottenuto riconoscimenti internazionali, tra cui la Targa Città di Milano, il Premio Città di San Bonifacio, una nomination agli ISMA Award di Milwaukee (USA), tre nomination ai NAMMY Award di Niagara Falls (USA), il NAMMY Award 2025 per il videoclip animato The She Wolf e il RED Movie Award, ottenuto nel 2023 a Reims (Francia) per il booktrailer del romanzo Memoriale di un anomalo omicida seriale (96, Rue de-La-Fontaine Edizioni). Il suo romanzo L’estate di Achille (Morellini Editore) è stato segnalato al Premio Strega 2023. Giornalista attivo nel campo della cronaca locale e della musica, ha collaborato con la Radio svizzera di lingua italiana e con Radio Ticino. Nel 2021 ha ricevuto il Premio di Giornalismo della Svizzera italiana.

Dal 13 novembre 2026 sarà disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali “PLATA O PLOMO”, il nuovo singolo di GIUMMO (Matilde Dischi).

“Plata o plomo” è un brano che affronta il conflitto tra ambizione, potere, denaro e libertà. Giummo racconta una società in cui tutto sembra avere un prezzo e ogni scelta comporta una conseguenza. Il denaro diventa il simbolo delle tentazioni, dei vizi e dei compromessi che possono allontanare una persona dai propri valori. Al centro del brano c’è una domanda: siamo davvero liberi di scegliere o siamo prigionieri di ciò che desideriamo? Una riflessione sulle contraddizioni umane, sulla ricerca della propria identità e sul prezzo della libertà che a volte questa vita ci nega.

Spiega l’artista a proposito del brano: “Plata o Plomo nasce da una riflessione sulla vita, su tutto quello che può darti, ma che allo stesso tempo può toglierti senza chiederti il permesso. Parla delle cicatrici che certe esperienze lasciano dentro, delle persone che perdi, delle promesse non mantenute e della rabbia che accumuli quando ti rendi conto che non tutto dipende da te. All’interno del mio progetto, questo brano rappresenta il lato più crudo e introspettivo di GIUMMO. Con Plata o Plomo ho voluto dare voce a quelle sensazioni che spesso rimangono dentro e che non sempre riesci a spiegare a parole. Perché la vita, a volte, ti mette in ginocchio, ma il vero conflitto è capire come rialzarti senza perdere te stesso.”

 

Il videoclip di “Plata o Plomo” si sviluppa all’interno di un labirinto sotterraneo dalle pareti in cemento armato, illuminato da luci stroboscopiche che amplificano il senso di disorientamento e prigionia. Il protagonista segue una catena che lo conduce davanti a due simboli: il denaro, rappresentazione dei vizi, del potere e della tentazione, e un lucchetto con la relativa chiave, metafora della libertà. La scelta sembra inizialmente chiara: Giummo cerca la libertà, ma il percorso si rivela un inganno. La catena lo riconduce inevitabilmente al denaro, senza offrirgli alcuna via d’uscita. La rabbia finale diventa così la rappresentazione di una condizione umana: il desiderio di liberarsi dai propri vizi e dalle proprie contraddizioni, scontrandosi con una realtà in cui ogni strada sembra riportare al punto di partenza. Il labirinto diventa metafora della vita stessa: un luogo in cui crediamo di poter scegliere liberamente, ma dal quale non sempre riusciamo a fuggire.

Guarda il videoclip: https://youtu.be/oXrC5Lav0Ig?is=21RIT0F7s-ayFhh1

 

Biografia

GIUMMO è un progetto Urban Noir che si muove sul confine tra realtà e finzione. Nessuno sa davvero chi si nasconda dietro la maschera: c’è chi sostiene che sia un uomo nato tra cemento, polvere e cantieri, e chi invece lo considera il prodotto di un algoritmo o di un’intelligenza artificiale. In questa ambiguità prende forma un personaggio che non racconta sé stesso, ma le contraddizioni, le paure e le frustrazioni della società contemporanea. Attraverso un linguaggio diretto, immagini crude e atmosfere oscure, GIUMMO dà voce all’“operaio urbano”: una figura simbolica che osserva il mondo da fuori, ne decifra le incoerenze e le restituisce in musica senza cercare approvazione, ma una reazione.

A luglio 2026 pubblica il brano “N.V.N.S.N.P.” e a ottobre “Altolà”.

“Plata o plomo” è il nuovo singolo di GIUMMO disponibile in radio e in digitale dal 13 novembre 2026.

 

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ASCOLTA “SCUSA”!

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Con “Scusa”, i Sogno di Lenia raccontano la fine di un’amicizia e quel momento in cui un rapporto, consumato dall’indifferenza e dal silenzio, arriva al punto di rottura. Un brano rock intenso e viscerale, che mette al centro la difficoltà di lasciarsi alle spalle una persona con cui si è condiviso molto.

La storia è narrata dal punto di vista di una protagonista ormai logorata dalla distanza emotiva dell’altra persona. «Non sopportavo più l’indifferenza» è la frase che segna la svolta e accompagna la decisione di lasciare la casa condivisa. Ma all’orgoglio ferito si alterna il ricordo di una complicità che continua a riaffiorare, soprattutto di notte: «Ti penso la notte ancora in quella via, ridere scherzare insieme a te». È il contrasto tra la necessità di allontanarsi e la nostalgia per ciò che è stato a dare al brano la sua tensione emotiva.

Anche sul piano musicale, “Scusa” si sviluppa attraverso contrasti. Le strofe, più intime e raccolte, sono sostenute da un basso corposo e da arpeggi puliti, mentre le chitarre graffianti e una ritmica solida accompagnano l’apertura verso ritornelli potenti. A guidare il racconto è una voce femminile versatile, calda e confidenziale nei passaggi più delicati, capace di farsi grintosa e carica di pathos nei momenti di maggiore intensità.

Nel finale, la rabbia lascia spazio a una vulnerabilità inattesa. Il rapporto non si è ricomposto, la distanza resta, eppure la protagonista trova la forza di abbattere le proprie difese e pronunciare quella parola rimasta in sospeso: «Scusa».

Non una promessa di riconciliazione, ma un gesto liberatorio e doloroso, che chiude il racconto lasciando emergere tutta la fragilità di chi, nonostante tutto, non ha dimenticato.

I Sogno di Lenia nascono a Bologna nell’estate del 2024 dall’incontro tra la cantante Elena Masera e il chitarrista Davide Buzzoni. Quella che inizialmente si presenta come una sfida si trasforma presto in un’esigenza artistica: dare forma a frammenti di vita attraverso parole e musica, muovendosi tra sonorità alt-rock, suggestioni nostalgiche e influenze contemporanee.

La sintonia tra i due è immediata e prende forma in brani in italiano che raccontano contrasti, fragilità e stati d’animo profondi, alternando il peso delle esperienze vissute alla ricerca di momenti di felicità.

Elemento centrale del progetto è la voce di Elena Masera, potente, calda ed espressiva, capace di passare da interpretazioni intime e raccolte a momenti di grande intensità. A dialogare con la sua vocalità sono i riff graffianti e gli assoli energici della chitarra di Davide Buzzoni.

Nel 2025 la formazione si completa con l’ingresso di Fabio Fruci al basso e Sandro Sparano alla batteria. Con una sezione ritmica solida e dinamica, i Sogno di Lenia definiscono ulteriormente la propria identità sonora, dando vita a un rock energico, attraversato da tensioni emotive e contrasti.

ASCOLTA “BALLA FINCHÈ VUOI”!

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Non sempre serve capire cosa ci succede per trovare il modo di andare avanti. A volte basta alzare il volume e smettere di trattenersi. È da qui che parte “Balla finché vuoi”, il nuovo singolo degli Officina Blu: un brano che trasforma il movimento in una risposta alle tensioni quotidiane, senza cercare soluzioni facili né impartire lezioni di vita.

“Metti in fila giorni e notti, metti in fila i guai”: la routine prova a imporre il suo ordine, ma qualcosa rompe la sequenza. Le corde vibrano, il ritmo prende spazio e il corpo trova una via d’uscita che la testa, da sola, non riesce a indicare.

Il sound mescola anima southern rock, sfumature blues e ritmiche country, con un passo trascinante che invita a muoversi senza troppi calcoli. La musica non cancella i problemi, ma cambia per un momento il modo di stare dentro le cose.

“Dentro quelle rotte scarpe sai soltanto tu come si sta” è il passaggio che restituisce al brano la sua dimensione più personale. Ognuno conosce la propria strada, comprese le deviazioni e le fatiche che non si vedono da fuori.

Gli Officina Blu scelgono così di lasciare spazio all’istinto, alla voglia di ridere e a quella libertà imperfetta che non ha bisogno dell’approvazione di nessuno. “Balla finché vuoi” non promette che domani sarà tutto più semplice: invita a non aspettare che lo diventi per concedersi il presente.

Alzare il volume, trovare il proprio passo, ripartire. Per una volta, senza dover spiegare perché.

Officina Blu è una rock blues band italiana che fonde il sound classico del rock con un’impronta moderna e personale. Le influenze blues, il rock d’autore e un’attitudine diretta danno vita a brani intensi, costruiti su chitarre incisive, una sezione ritmica solida e testi che raccontano storie, emozioni e frammenti di vita.

La band è composta da Matteo Favretto (MisterMat) alla voce e chitarra, Mattia Fattoretto al basso e Davide Piovesan alla batteria. Insieme portano sul palco uno spettacolo energico e autentico, dove ogni canzone nasce dalla passione per la musica suonata senza compromessi.

Con un’identità sonora riconoscibile e uno sguardo rivolto al futuro, Officina Blu continua il proprio percorso artistico attraverso la scrittura di musica originale e l’attività live, affermandosi come una realtà capace di parlare sia agli amanti del rock più classico sia a chi cerca un sound contemporaneo e genuino.